10.2.-24.2.2012

Der KVHP ist jetzt auch auf Facebook und freut sich über viele Freunde.

vs_print

rs_print

Prima materia ist ein metaphysischer Begriff, der ursprünglich aus Aristoteles Werk „Metaphysika“ stammt. Materie ohne Form nannte er “prima materia“, oder erste Materie, die selbst nichts war oder darstellte.
Der im Iran geborene und in Frankfurt lebende Künstler Peyman Rahimi generiert die Materie für seine Werke gezielt aus beeindruckenden Geschichten, Erzählungen, Druckwerken und anderen Quellen, die mit Orten oder Objekten von besonderen übersinnlichen oder okkulten Phänomenen in Zusammenhang gebracht werden. Seine Faszination für die Alchemie, das Verlangen der Menschen ein Elixier zu kreieren, mit dem man übernatürliche Heilkräfte besitzt oder gar unedle Substanzen in Gold verwandeln kann, inspiriert Rahimi immer wieder aufs Neue.

Peyman Rahimi führt den Betrachter in seinen phantastisch und surreal anmutenden Bildern und Skulpturen in die magischen Welten der Alchemisten. Die Kompositionen mit von ihm aufgespürten Symbolen und bildhaften Fragmenten, führen zu neuen mystischen Stoffgruppierungen, die schon durch den mehrschichtigen Herstellungsprozess nicht berechenbar in ihrer Wirkung sind. Als Folge daraus, rufen sie beim Betrachter die Assoziation zu übersinnlicher Magie hervor.

In seinem Werk wird das Raum-Zeitgefühl und die Frage nach der Grenze von Wirklichkeit und scheinbar neu kreierter Realität, besonders in seinen großformatigen Bildern, durch magische Ornamente und geisterhaften Erscheinungen erzeugt. Rahimi verleiht dem Betrachter einen traumhaften Einblick in den übersinnlichen Transformationsprozess von der realen in eine irreale Welt. Er lädt den Betrachter dazu ein, die Suche nach der Ursubstanz zur Erschaffung des „Opus magnum“ zu forcieren.

10.2.-24.2.2012

vs_print

rs_print

Ausstellungseröffnung am Freitag, 10. Februar, 19 Uhr

Peyman Rahimi, o.T. · 95 x 124 cm · Handkolorierter (Terpentinöl & Lack) Siebdruck auf Büttenpapier · 2010

o.T. · 95 x 124 cm · Handkolorierter (Terpentinöl & Lack) Siebdruck auf Büttenpapier · 2010

Prima materia ist ein metaphysischer Begriff, der ursprünglich aus Aristoteles Werk „Metaphysika“ stammt. Materie ohne Form nannte er “prima materia“, oder erste Materie, die selbst nichts war oder darstellte.
Der im Iran geborene und in Frankfurt lebende Künstler Peyman Rahimi generiert die Materie für seine Werke gezielt aus beeindruckenden Geschichten, Erzählungen, Druckwerken und anderen Quellen, die mit Orten oder Objekten von besonderen übersinnlichen oder okkulten Phänomenen in Zusammenhang gebracht werden. Seine Faszination für die Alchemie, das Verlangen der Menschen ein Elixier zu kreieren, mit dem man übernatürliche Heilkräfte besitzt oder gar unedle Substanzen in Gold verwandeln kann, inspiriert Rahimi immer wieder aufs Neue.

Peyman Rahimi führt den Betrachter in seinen phantastisch und surreal anmutenden Bildern und Skulpturen in die magischen Welten der Alchemisten. Die Kompositionen mit von ihm aufgespürten Symbolen und bildhaften Fragmenten, führen zu neuen mystischen Stoffgruppierungen, die schon durch den mehrschichtigen Herstellungsprozess nicht berechenbar in ihrer Wirkung sind. Als Folge daraus, rufen sie beim Betrachter die Assoziation zu übersinnlicher Magie hervor.

In seinem Werk wird das Raum-Zeitgefühl und die Frage nach der Grenze von Wirklichkeit und scheinbar neu kreierter Realität, besonders in seinen großformatigen Bildern, durch magische Ornamente und geisterhaften Erscheinungen erzeugt. Rahimi verleiht dem Betrachter einen traumhaften Einblick in den übersinnlichen Transformationsprozess von der realen in eine irreale Welt. Er lädt den Betrachter dazu ein, die Suche nach der Ursubstanz zur Erschaffung des „Opus magnum“ zu forcieren.

9.12.-23.12.2012

vs_print

rs_print

Mit unbestreitbarer Ehrfurcht vor dem nicht Verortbaren, montiert Maeghan Reid ein temporäres Mausoleum für das Unheimliche, im wahrsten Sinne des Wortes „Un-heim-liche“. Örtlichkeit, wie ihre intuitiv gebauten Strukturen implizieren, ist lediglich ein Mythos, errichtet aus unterwegs aufgelesenem Schrott. Für Reid ist es gerade das Formlose, das die Bürde der Form transportiert. Ausrangiertes Holz umliegender Baustellen, vom Zuschnitt übrig gebliebene Stoffreste, Quadrate aus Fertigbodenbelägen, für sich alleine genommen scheinbar funktionslos, finden alle ohne besondere Vorliebe ihren Weg zueinander. Eine Methode, die die Rigorosität unterstreicht, mit der Reid an den Konturen des Unstrukturierten entlang navigiert.

Ihr Werk initiiert Augenblicke der Baulichkeit, die den Betrachter aktiv innerhalb und symbolisch außerhalb einer festgelegten Form platzieren. Es bewegt das kollektive Bewusstsein und fordert die unausgesprochene Gesellschaftsstruktur heraus, indem es althergebrachte Stufen der Unterteilung zur Seite kippt. Es bringt jegliches Verlangen und die Fähigkeit zum Einsturz, sich einen freistehenden Gegenstand in seiner angestammten Form auch nur vorzustellen. Vielmehr fleht es uns an, sich der Bedeutung von all jenem gewahr zu werden, das zusammengetragen wurde ohne wirklich assimiliert zu sein.

Maeghan Reid, geboren 1980 in Kalifornien, lebt und arbeitet gegenwärtig in Berlin.

Original text by Kathryn Schetlick

Translated by Dieter Dolezel

ich erscheine. (REFERENZLOZ)

11.11. – 25.11.2011

vs_print

rs_print

Die Ausstellung „Meine himmlische Mutter ruft, ich erscheine. (REFERENZLOZ)“ wird sich einer Werkgruppe des jungen Hamburgers Philipp Schwalb widmen. Diese Werkgruppe besteht aus vier Werken. Die Werkgruppe steht als Gruppe selbst-historisch in Folge dreier Substanzen, figursensibel anmutenden Gemälden, sowie einer Existenz, Gemälde der geheimen Arbeit und Grundlage. Als Folge der Werkgruppe entstand ein epochales  Einzelwerk der Fragestellung des 21. Jahrhunderts. Der Küstler wollte mit diesem Gemälde mal wieder die Kunstgeschichte des 20.und 21. JH. auflösen. Bis auf das Gemälde aus der Werkübergruppe „geheime Arbeit und Aufwand“ wurden alle Bilder im Mai des Jahres 2011 in Wien einführend gezeigt. Die Reaktionen waren gespalten und es wurde versucht, die Rosinen von den Bildern zu reißen. Das Werk des Hamburgers geht in-sich-hakend weiter, und es ist noch einmal zu betonen, dass die Ausstellung „Meine himmlische Mutter ruft, ich erscheine. (REFERENZLOZ)“ Lösungen antreibt.

Irgendwie – also universal-historisch gesehen – steht diese Werkgruppe auf einer Seite in der Tradition des universalen Farbspürens in Fluten des Farbenmeeres der Jeder-Jahre, auf einer anderen Seite wird sie als integraler Ausweg einer Synergie der Künstler Marcel Broodthaers, Jeff Koons, Paul Cézanne und Gerhardt Kiefer gesehen, das heißt bezeichnet, und von dem Komplex nahestehenden Kritikern behauptet. Schwalb selber spricht aber nur, die genannten Bezüge ignorierend, über Pisano/Giotto und Goethe/Hegel und N.W.A.. Diesen Referenzen sollte man deshalb keine Beachtung schenken. Zu erwähnen wäre bloß, dass er vielleicht ein besonderes Interesse für Assoziationen und relationale Dynamiken hat.

In einer von Vor-Wertungen geschaffenen Abstraktion erscheinen Universal-Mehrdeutig-Definitionen von Abwesendem. Flexible Gestalten erscheinen. Die grundsätzliche Frage des Erscheinens in der Umwelt wird viermal, sich jeweils negierend, aufgerufen: ICH BIN! DU BIST! ES IST! WIR SIND! Die Zahl (Mehrdeutigkeit) ist Realität. Die relationale Stellung einer Gesamtheit in einer ewigen Welt wird auf eine zarte Weise grundsätzlich beobachtet und hergestellt. Auf das 20. JH. zurückblickend sehen wir eben dieses Problem als beherrschende Emergenz: Das Zerstören und Schaffen von Universalien.

Doch diesem Thema schenkt Schwalb keine Beachtung. Er hat es für sich geklärt und diese vier Werke geschaffen, damit sie ohne Frage ohne Fragen für sich stehen dürfen. Sie beteiligen sich an einem jetzt angetretenen, gemeinsamen Prozess der Befreiung in der Suche der Komplexität von Relationen und Realitäten. Diese Beiden sind so vielseitig, dass Sie sie sich selbst ausdenken können.

Nur eines möchten wir Ihnen vorbereitend auf Ihren, Besuch der Ausstellung, nahelegen: Gehen auch sie von/m Zahlen aus.

Im Rahmen der Ausstellung werden ein Buch und ein Katalog erscheinen.

Außerdem können Sie am 11.11.11 der Beisetzung des akademischen Mittelstandes beiwohnen. Die Grabbeigaben sind Rosinen, die als Veranschaulichung eines offenen Beziehungsreichtumes aus den neusten Werken herausgerissen wurden.

Anhang: die Gemälde

die Substanz,  50×40 cm, 2010 – Öl auf Leinwand

Substanz,  50×40  cm, 2010 – Öl auf Leinwand

eine Substanz, 50×40 cm, 2010 – Öl auf Leinwand

ARBEIT,  50 x 40 cm, 2010, Öl und Jeansstoff auf Leinwand

Kartoffel-brei, Apfel-muß, Blau-kraut, Wasser-melone: CASH MONEY,  296,98 cm x 296,98cm (210cm x 210cm), 2010, Öl auf Leinwand

5. – 18.3.2011

Katalog zur Ausstellung:

Henning Strassburger: SoftiDrink
Verlag: masterbooks 2011. Hardcover, 60 Seiten, 24,60 Euro.
Auflage: 500 Stück
ISBN 9-783000-338878
Gestaltung Enver Hadzijaj. Mit Texten von Dr. Anke Emig, Max Dax.
Es erscheinen 10 Vorzugsausgaben mit einer Edition, 150,00 Euro.

Die Geschichte des Abstrakten Expressionismus beginnt 1951 mit der Veröffentlichung einer Fotografie im Life-Magazine. Auf diesem Foto versammeln sich 14 Herren und eine Dame unter dem Titel  „The Irascibles“ zusammen mit einem Protestbrief, der sich gegen eine geplante jurierte Ausstellung im Metropoliton Museum New York richtete. Weitere Gruppenbilder erscheinen später auch in der amerikanischen Vogue.

Diese Nähe der ersten wirklichen amerikanischen Kunstströmung zu popkulturellen Magazinen und vor allem das Zitat des Malers John Ferren „It [painting] does not sell soap or soft drinks (…)“ bilden die Grundlage zu Henning Strassburgers Ausstellung „SoftiDrink“ im Heppenheimer Kunstverein.

23.9.-7.10.2011

vs_print

rs_print

MATTHIAS DORNFELD

 o.T. (Portrait grün mit roten Gesichtsmerkmalen), 100×70 cm, Öl auf Leinwand, 2011

Zwei Papierarbeiten, je 30×20 cm, Kugelschreiber, Filzstift und Bleistift auf Papier

o.T (blauviolettes Profil), 150×104 cm, Öl auf Leinwand, 2010

„das fräulein“, 80×60 cm, Öl und Acryl auf Leinwand, gerahmt, 2011

o.T. (flower), 150×100 cm, Öl auf Leinwand, 2011

o.T. (Portrait), 169×116 cm, Öl auf Plot auf Papier auf MDF, 2011

o.T. (Portrait dunkel), gerahmt, 75×62 cm, Öl auf Karton, 2011

o.T. (Profil unter gelbem Bogen), 80×60 cm, Öl auf Leinwand, 2011

o.T. (Profil), 120×85 cm, Öl auf MDF, 2011

FRÄULEIN
Was machen wir jetzt?
Wieso sind wir denn überhaupt hier?

(Das Fräulein dreht dabei den Kopf nach links und sieht sich im Raum um.
Ihre Augen sind weit geöffnet und der Blick ist fordernd.
Anwesend sind das Fräulein, Anna und Madame, sowie einige andere Personen.)

FRÄULEIN
Wie heißt das Kaff hier nochmal?

ANNA
Heppenheim (forsch), der Vettel kommt aus Heppenheim,
dieser Rennfahrer, der Weltmeister, damit du’s weißt.

FRÄULEIN
Und wo ist der jetzt, kommt der noch?
Wir sind wohl nicht gut genug.

MADAME
Ist jetzt mal Schluß mit dem Gegrummel?
Habt Ihr auch die Haare schön?
Lidschatten, Make Up, Lippen? Laßt mich mal sehen.
Anna, was ist denn das für eine Frisur?
Und dieses Grün – sieht total fad aus -
das Grün in deinem Gesicht.
Wir sind hier nicht in London und deine Punk Zeit
sollte auch mal der Vergangenheit angehören.

ANNA
Was soll ich denn machen, wenn das Fräulein immer vorm Spiegel steht? Außerdem ist das Licht kalt, stimmt doch.

FRÄULEIN
Was? Was soll die denn schon für ein Bild abgeben?
Das ist eben der Seelenspiegel.

ANNA
Du oberflächliches Flittchen,
ja, nipp Du nur fein am Proseccoglas.
Bauch rein – Titten raus!
So, wie die da drüben, läuft doch glatt im Nachthemd herum.

MADAME
Ach, jetzt weiß ich, wen du meinst, die mit dem Mittelscheitel.
Ich hab gehört, die hatte was mit dem Vettel.

ANNA
Komm, die ist doch viel zu alt für den.
Der ist doch noch Grün hinter den Ohren.
Ihr glaubt doch nicht, dass der so’n Draufgänger ist wie unser Meister?
Der lässt ja bekanntlich nichts auf der Strecke liegen.

FRÄULEIN
Wo ist denn jetzt meine Wimperntusche?
Madame, beeil dich doch mal.

MADAME

(Fasst sich an die Stirn)
Oh, mein Kreislauf, kann mal jemand ein Fenster öffnen?
Für mich ist das alles nichts mehr. Was nicht heißen soll, dass ich zu alt bin.
Aber diese Eröffnungen, dieses ganze Schi Schi, Küsschen hier und da.
Sind doch alle nur zum Glotzen hier.

FRÄULEIN
Ach, eine Runde Mitleid für die Dame.
Sag bloß, Du willst Dich wieder über, nein, wie hieß das nochmal? Übersetzungsprozesse zwischen verschiedenen künstlerischen Disziplinen unterhalten?

ANNA
All das ist bloß das Kreisen der Motten um das Licht.
Ewiges Leben ist das einzige Leben und das ist meines.

MADAME
So, genug. Veräppeln kann ich mich selbst. (Pause)
Aufpassen, es geht los. Kommt einen Schritt nach vorne,
nicht an der Wand kleben. Und immer schön lächeln, … lächeln.

Ben Kaufmann, 28.08.2011

Im Zentrum von Matthias Dornfelds Arbeit steht die Malerei, ihr unausgeschöpftes Potential, das kritisch untersucht und gleichzeitig vorbehaltlos bejaht wird. Grundparameter bildnerischer Gestaltung werden zusammengeführt, überlagert oder zwischen Polaritäten eingespannt wie Fläche vs. Linie, Materialität vs. Bildlichkeit, Zeichnung vs. Malerei, amorphe Elemente vs. geometrische Grundformen, Ornament vs. bildliche Darstellung, Abstraktion vs. Gegenständlichkeit.

Innerhalb der traditionellen Genres Portrait, Stillleben, Historien- oder Landschaftsmalerei überführt seine Arbeit Klischees und Eigenschaften eines klassischen Malereibegriffs in einen Prozess jenseits von expressiver Authentizität und distanzierter Brechung. Merkmale der Malerei werden zu Figuren in einem Vabanquespiel mit offenem Ausgang, zu Entwürfen eines futuristischen Anachronismus, der sich unbekümmert über die Fronten aktueller Malereidiskurse hinweg setzt.

Matthias Dornfeld, geb. 1960, arbeitet in Berlin. Letzte Einzelpräsentationen waren: Art Cologne/Galerie Ben Kaufmann (2011); Calle Fortaleza #202, San Juan, Puerto Rico (2011); Galerie Patrick Waldburger (2010), Brüssel; Blanket Gallery, Vancouver (2010); Center Berlin (2010); Galerie Ben Kaufmann (2010); Harris Lieberman, New York (2010); Ancient&Modern, London (2008).

20.08.-02.09.2011

WHO_BY_FIRE

Gefördert durch

JULIUS GRÜNEWALD, Indianer, Öl auf Teppich, 2001

Indianer, Öl auf Teppich, 2001

Indianer, Öl auf Teppich, 2001

Indianer, Öl auf Teppich, 2001

Julius Grünewald wurde 1965 in Worms geboren. Von 1987- 1994 studierte er an der Kunstakademie Karlsruhe u.a. bei Horst Antes,  Stephan Balkenhol und Silvia Bächli.

Nach dem Studium zog es ihn nach Budapest und Köln, seit 1998 lebt und arbeitet  er in Lehnitz bei Berlin und in Worms/Osthofen.

Grünewald hat bereits zahlreiche Einzelausstellungen aufzuweisen z.B. in Worms Chemnitz, Berlin, Villa Ludwigshöhe Edenkoben, in Dänemark und 2008 eine große Ausstellung in der Kunsthalle Mannheim. 2010 erhielt er den Kunstpreis der Art Karlsruhe. In Galerien ist er vertreten in Karlsruhe, Berlin, Düsseldorf und New York.

Julius Grünewald ist hauptsächlich durch seine auf seine unnachahmliche Art abstrahierten Interieurs bekannt geworden. Die Gegenstände sowie der Raum selbst scheinen sich in auflodernden, zerfließenden, zersetzenden, vermischten oder vernebelten Farben aufzulösen, wobei Farbe und Lichteinfall verschmelzen, zweitweise die Dreidimensionalität aufzulösen scheinen zu einem neu kreierten Licht-Farb-Raum.

Diese Orientteppiche sind ursprünglich geschenkte Bodenbeläge, die dazu dienten, den Fußboden unter den Malflächen im Atelier zu schützen. Im Laufe der Jahre bildete sich auf ihnen ein bizarres Farbmuster aus, das die Fantasie des Künstlers inspirierte und er begann, darauf Indianerfiguren zu malen.

Die Figuren gehen mit dem teilweise durchschimmernden Teppichmuster, das einen ornamental strukturierenden Hintergrund bildet, eine wunderbare Symbiose ein. Mit sehr flüssig und frei gesetzten Farbflächen und ineinander übergehende Farbstrukturen erhalten die dargestellten Indianer auf Pferden eine monumental standbildhaften Charakter oder drücken ungeheuer energiegeladenen Bewegung und Dynamik aus, die sonst in Grünewalds Werk so sonst nicht zu finden sind.

Insgesamt gibt es  im Kunstverein Heppenheim zum ersten Mal die Gelegenheit Grünewalds Indianer und Tonskulpturen auf sich wirken zu lassen. Die Ausstellung erweitert somit den Blick auf das bislang bekannte Werk des Malers um eine weitere Facette.

„Ich male, was mir nahe liegt (…) Am Anfang ist das Motiv und die Lust am Malern. Das Motiv steht fest, ansonsten darf alles passieren…“  (aus: Hans-Joachim Müller: „Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst –Julis Grünewald“,  Ausg. 89, München 2010)

Dr. Anke Emig

Wir heiraten!

EINLADUNG1 

EINLADUNG2

2.7.-15.7.2011

Das Brautpaar Thomas Winkler und Ulrich Wulff (vorn) bei der Begrüßungsrede. Alle Bilder:  Simon Hofmann

Ein Ständchen von Thomas Winkler und Hank Schmidt in der Beek, Ulrich Wulff lauscht.

Piano Man:

It’s seven o’clock on a Friday

The regular crowd shuffles in

There’s an old man sitting next to me

Making love to his tonic and gin

Die goldenen Ringe…

passen wie angegossen.

Noch schnell gegenüber zur Maniküre.

Gemalt wurde auch.

Oh, la la la, de de daLa la, de de da da da

Oh, la la la, de de daLa la, de de da da da

Oh, la la la, de de daLa la, de de da da da

Man what are you doing here

Thomas Winkler

Ulrich Wulff

Ulrich Wulff und Thomas Winkler im Kunstverein Heppenheim

Hochzeitsansprache von Thomas Winkler

Sehr geehrte Damen und Herren, lieber Festausschuss, verehrte Mitglieder des Kunstverein Heppenheim, liebe Vorsitzende, hallo Kassenwart, liebes Publikum.

Ich freue mich, Sie alle ganz herzlich zu unserer sehr abstrakten Hochzeitszeremonie an diesem vom Wetter her sehr schönen Freitag im Juli begrüßen zu dürfen. Es ist mir eine außerordentliche Ehre, mit Ihnen gemeinsam dem heiligen doppelseitigen Klebeband, das seit jeher Mensch und Kunst zusammenhält, zu huldigen. Jedoch hält es Kunst und Mensch nicht nur zusammen, sondern es wickelt sich unaufhörlich und unüberwindbar zwischen all das, was wir Menschen mit unserem kleinen Verständlein nicht begreifen können.

Heute heiraten nicht nur die beiden Dappes Wulff und Winkler, sondern es sind deren Werke, die für die Dauer der Ausstellung einen ewigen Bund eingehen. Aber nur symbolisch, denn wir meinen, dass sich die Kunst niemals im Leben verwirklichen darf und speziell mir und meiner hier anwesenden Trauzeugin ist es ein persönliches Anliegen, dass dies auch so bleiben mag.

Aufeinander treffen in dieser Ausstellung Wulffs stummes Klavier, ein Holz-Objekt aus seiner jüngsten, noch unverkauften Werkgruppe, und Winklers stillschweigende Dokumentationen seiner endlosen Reisen im Auftrag des Weltweiten Expressionismus.

Wulffs stummes Klavier ist die Synthese aus einer jahrelangen Auseinandersetzung mit den Medien Malerei und Poesie. Es verweigert nicht den Klang, sondern ist selbst Klang gewordene Materie. Einen solchen zu vernehmen, bedarf es nichts weiter, als ein offenes Herz. Und Sie, meine lieben Hochzeitsgäste, haben dieses offene Herz, wie uns der Bernd Graber nach ein paar Schoppen Cengericht versichert hat.

Eingefasst wird die Skulptur von Winklers stillschweigenden Dokumentationen seines teils lauten Lebens, in das er durch seine verehrte Mutter vor etlichen Jahren hineingeboren wurde. Seine Werke legen Zeugnis davon ab, wie sich der zarte Maßstab des Künstlers hierarchielos entwickeln und geschmacklich absichern konnte. Auch ihn beschäftigt die Frage: Leben, was ist das eigentlich?

Der Braut und ich möchten unseren ganz besonderen Dank aussprechen: den Vorsitzenden des Kunstverein Heppenheim Mona Hartfiel und Uwe Emig für die Einladung, hier ausstellen zu dürfen.

Nicht zuletzt geht unser aller Dank an Sie, liebe Gäste und Mitglieder, die Sie dem schönen Kunstverein Heppenheim auch bei dieser waghalsigen Angelegenheit wieder einmal ihre Treue erweisen.

Und wir möchten abschließen mit einem Lied, das wir zusammen mit unserem mitgebrachten Kollegen Hank Schmidt in der Beek für Sie und uns alle eingeübt haben:

— Lied —

Uns allen soll Glück, Gesundheit und viele Abenteuer ins Haus stehen und dabei wollen wir nicht darüber hinwegsehen, worauf es im Leben wirklich ankommen wird, nämlich auf den Kunstverein Heppenheim.

Wer von den hier Anwesenden etwas gegen Ullis stummes Klavier oder meine stillschweigenden Dokumentationen hat, der möge dies nun vorbringen oder für immer schweigen. Oder sich im Hinterzimmer unsere quietschebunten Malereien reinziehen.

Also dann bis gleich auf dem Weinfest. Die Ausstellungsbesucher dürfen sich jetzt küssen.

Vielen Dank,  Euer Thomas und Ulli

GEHIRNE

THOMAS HELBIG, Tochter, 2006, Mixed Media, 79 x 51 x 43 cm,107 x 51 x 47 cm (Sockel).

ARMIN BOEHM, Kona, 70×80 cm, oil, cloth, sunflowers on wood, 2010

ARMIN BOEHM, Jako, 68x75cm, oil, cloth on wood, 2010

Armin Boehm, der 1972 in Aachen geboren wurde, verwendet in seinen Portrait-, Interieur- und Landschaftsdarstellungen eine Mischtechnik, in der Lasuren, Drippings, Metallstaub und pastos aufgetragene Ölfarbe miteinander kombiniert sind, schreibt der Kunstverein Braunschweig anlässlich von Boehms Ausstellung „Der böse Blick“ im Jahr 2009. Zunächst formuliert Boehm die Bildelemente in natürlicher Farbigkeit aus. Von Schicht zu Schicht wird die Palette dunkler, vom polychromen Malgrund zeugen am Ende nur noch vereinzelt schimmernde Farbfunken.

Doch vielschichtig sind die Arbeiten Armin Boehms, der an der Kunstakademie Düsseldorf studierte und Meisterschüler von Jörg Immendorff war, nicht nur formal; ebenso tiefgründig, ja doppelbödig sind ihre Inhalte. Denn der Malprozess – ein stetes Hinzufügen und Eliminieren – ist gleichsam Spiegel auch seines inhaltlichen Interesses an der Präsenz und Absenz, dem Materiellen und dem Metaphysischen, dem Figurativen und der Transzendenz und deren Übergängen.

Boehm hat das Motiv des Grenzgängers hin zu der Betrachtung einer Theorie des Ichs ausgeweitert. Das schreibt Christina Irrgang anlässlich der Ausstellung „DIE LEERE UND DAS GEZEICHNETE ICH“ in der Galerie Meyer-Riegger in Berlin 2010. Boehm bezieht sich hierbei auf die avantgardistischen, literarischen Strömungen des Expressionismus, wobei er die dort sprachlich formulierte Frage nach der Definition und Verortung des Menschen – wie auch seinem Denken – aufgreift, und mit den Mitteln der Malerei bildnerisch aktualisiert.

Das Werk des 1967 in Rosenheim geborenen Thomas Helbig umspannt die Kunstgattungen Zeichnung, Malerei und Skulptur. Obwohl vornehmlich als Maler ausgebildet (AdBK München und Goldsmiths College) beschäftigt sich Helbig immer wieder mit dreidimensionalen Bildwerken. Er zerstört massenproduzierte, naturalistische Dekorationsfiguren und zwingt ihre Fragmente zu eigentümlich futuristisch wirkenden Gebilden wieder neu zusammen,  schreibt die Galerie Rüdiger Schöttle anlässlich von Helbigs Einzelausstellung „White“ 2009.

Die mit Lack und Harzen überzogenen Skulpturen lassen durch wieder erkennbare Bruchstücke wie Köpfe, Torsi, Rüssel oder Hände Rückschlüsse auf die ursprünglichen Objekte zu und geben Raum für Assoziationen. Ihre organischen Formen verweisen auf den permanenten Veränderungsprozess aus Zerfall und Neuerschaffung, dem alles Leben unterworfen ist.
Auch in der Malerei greift Thomas Helbig mitunter auf vorhandene Gemälde unbestimmter Herkunft zurück, aus denen er durch Übermalungen, manchmal auch durch Ergänzung mit anderen Materialien ausdrucksstarke, bisweilen auch reliefartig gesteigerte Bildwerke kreiert.

In einem Interview von 2006 konstatiert Thomas Helbig: „Es geht (…) um eine Unkenntlichkeit, aus der wieder etwas Neues entstehen kann, sowohl bei den Übermalungen als auch bei den Skulpturen. Durch ein Verbergen etwas entdecken, durch ein Verschlüsseln etwas sichtbar machen. Das ist die Aufgabe der Bemalung: Indem die verschiedenen Materialien und ihre Farbigkeit zugunsten eines Organischen als Ganzes zurücktreten. Das Zerstören ist für mich die Voraussetzung – quasi die Befreiung aus dem Zwangsnaturalismus – dafür, dass sich so etwas wie Poesie einstellen kann“.

ANYA JANSSEN

MITSY GROENENDIJK